Ha conseguito un Bachelor of Arts Politics and African Studies e in seguito il diploma in Fine Arts presso la Johannesburg Art Foundation. Alla fine degli anni Settanta, ha studiato mimo e teatro alla École Internationale de Théâtre Jacques Lecoq di Parigi. Fra il 1975 e il 1991, ha lavorato come attore e regista nella compagnia Johannesburg’s Junction Avenue Theatre. Negli anni Ottanta ha lavorato come art director in diversi film e serie televisive. Nel 1989 Kentridge ha creato il suo primo film di animazione Johannesburg, 2nd Greatest City After Paris. Per queste serie, ha iniziato a usare una tecnica che diventerà tipica del suo lavoro: disegni a carboncino realizzati uno dopo l’altro sempre sullo stesso foglio di carta in una maniera contraria alla tecnica di animazione tradizionale in cui ogni movimento è disegnato su un foglio separato.

I suoi lavori indagano temi politici e sociali da un punto di vista personale, a volte autobiografico e spesso l’artista compare direttamente, o sotto forma di autoritratto, in alcuni dei suoi lavori. La stessa tecnica è stata usata in lavori come Sobriety, Obesity and Growing Old (1991), Felix in Exile (1994), History of the Main Complaint (1996), e Stereoscope (1999) che sono stati presentati nei maggiori musei del mondo. Nel 1999, ha realizzato Shadow Procession usando cartoncini neri ritagliati da pagine di libri e da cartoline.

Ha partecipato a importanti esposizioni internazionali, fra queste Documenta 10 a Kassel (1997), la XXIX Biennale di São Paulo (1998) e la XLVIII Biennale di Venezia (1999). Gli sono state dedicate diverse mostre monografiche, una delle più recenti, William Kentridge: Five Themes, è stata ospitata nel 2010 al Museum of Modern Art di New York, al Jeu de Paume di Parigi e all’Albertina Museum di Vienna.

Tra i principali progetti personali: Centro Arti Visive la Pescheria, Pesaro (2010), Museo Marino Marini a Firenze (2009), Fondazione Maison Rouge, Parigi (2007), Fondazione Sandretto Re Rabaudengo, Torino (2007), Projectspace176, Londra (2005), Museo Pecci, Prato (2005), IIC, Los Angeles (2004), Artinprogress, Berlino (2002).

Tra le mostre collettive ricordiamo: 11° Biennale dell’Avana a Cuba (2012), La storia che non ho vissuto al Museo del Castello di Rivoli (2012), IBID Project a Londra (2011), Progetti Speciali al MACRO, Roma (2011), Sotto quale cielo? Museo Riso, Palermo (2011), Spazio, Museo MAXXI, Roma (2010), Italics, Palazzo Grassi, Venezia e al MCA, Chicago (2008); XV Quadriennale di Roma (2008), Elgiz Museum, Istanbul (2008) e Clandestini, 50° Biennale di Venezia (2003).

Il suo lavoro, che si esprime con performance, danza, video, scultura, disegno, testi e pubblicazioni, è pensato come momento in cui forma e processo sono mostrati nella loro reciproca ed inattesa relazione. Il gioco, il sogno e la possibilità dell’impensabile sono le modalità con cui l’artista investiga ossessivamente l’immagine, come nella performance I Giocatori, in cui Cecchetti crea un dialogo sculturale con altri artisti, nella forma di un gioco senza regole, o nell’invenzione di spazi di creatività interconnessa come la rivista THE UNREADy  e il Salon Du Mercredi che riunisce periodicamente a Parigi e altrove una moltitudine di artisti chiamati a rispondere a una delle tante domande inattuali che Cecchetti propone.
Interessato alla rottura delle cristallizzazioni di senso nei suoi lavori i ponti non collegano due estremi (Attraversamento del Ponte di Millau con C. Frosi), il sole perde la sua forma rassicurante e convenzionale di cerchio (Sun One Day Old) e la danza diventa un operazione di invisibilità (H). La fragilità dell’esposizione stessa è messa in evidenza in Comrades of Fear and Wonder, dove l’intera mostra rischia ogni giorno di non poter essere rappresentata.

Alex Cecchetti ha esposto in numerosi centri d’arte, gallerie e manifestazioni: CAC Vilnius, Lituania (2012), Centre Pompidou, e Jeu de Paume, Parigi (2011), Le Magasin, Grenoble (2010), Museion- Museum of Modern and Contemporary Art di Bolzano (2009); Artists Space, New York (2009); Tulips & Roses, Vilnius, Lithuania (2009);  FormContent, London (2008); Zero Gallery in Milan (2008); Isabella Bortolozzi Galerie, Berlin (2007); Palais de Tokyo, Paris (2007); 35th International Film Festival Rotterdam, Rotterdam, (2006); Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino (2002).  A Society That Breathes Once a Year, è il titolo del primo romanzo dell’autore pubblicato da Bookworks, Londra.

Alex Cecchetti, Ride Ride Ride - Cavalcare cavalcare cavalcare, 2008. Galleria Zero, Milano. Photo credit Jacopo Menziani

Alex Cecchetti, Seven Brothers, 2012. Choreography for sleeping dancers. Photo credit Robertas Narkus

Alex Cecchetti. Photo credit Jas & Dave

Bruna Esposito è nata a Roma 1960 e ha vissuto a New York e Berlino.

Utilizzando linguaggi differenti realizza opere che coinvolgono i diversi sensi; con gesti semplici, legati alla quotidianità, materiali della vita di tutti i giorni la Esposito crea delle opere da esperire più che da osservare. Elemento caratteristico nel suo lavoro è la transitorietà: una transitorietà strutturale data dalla scelta di materiali deperibili, ma più l’opera diventa effimera più viene sottolineata la sua potenza. L’artista mette così in scena una realtà altra, regolata da leggi differenti, in cui materiali di uso quotidiani vengono poeticamente trasformati e assumono nuovi significati. Le sue opere, pur nella loro diversità, si articolano su alcuni principi : chiarezza strutturale, economia di mezzi espressivi e analisi delle relazioni spaziali.

Ha partecipato a diverse rassegne internazionali e nel 1999, insieme ad altre artiste italiane, vince il Leone d’Oro per la miglior partecipazione nazionale. Tra le mostre collettive più prestigiose ricordiamo Documenta a Kassel nel ’97, La ville, le jardin la mémoire, Villa Medici, Roma (1998), La Biennale di Venezia nel ’99 e nel 2005, la Biennale di Istanbul nel 2003 e quella di Gwanjiu in Corea nel 2004; La Quadriennale di Roma nel 1996 e nel 2008; Une histoire privée, Maison Européene de la Photographie, Parigi nel 2006; Italics, Palazzo Grassi, Venezia nel 2007, Terre Vulnerabili, Hangar Bicocca, Milano e Spazio, MAXXI, Roma nel 2010. Alcune delle mostre personali più significative: nel 2007 Compro Oro, all’Edicola Notte, Roma, nel 2002 al Museo d’Arte Contemporanea del Castello di Rivoli e a Castel Sant’Elmo, Napoli nel 2002.  Nel 1999  vince l’Italian Studio Program P.S.1 a New York.

Bruna Esposito, Threesome, 2008. Courtesy dell'artista

Bruna Esposito, Aquarell, 1988. Foto Erskine. Courtesy dell'artista

Bruna Esposito, 1999, Tre aromi per un trio. Ginevra

Il lavoro di Marzia Migliora si articola attraverso un’ampia gamma di linguaggi che includono la fotografia, il video, il suono, la performance, l’istallazione e ancora il disegno. Le sue opere si originano nell’attenzione per il quotidiano nel quale l’artista trova appartenenze e stimoli che poi vengono esperiti e metabolizzati nel lavoro. Attraverso modalità differenti l’artista indaga su temi come il desiderio, l’identità e la responsabilità dando voce ad un dialogo interrotto tra anima e corpo. La sua ricerca tocca la storia presente e passata che l’artista mette in relazione con luoghi e spazi, e la riflessione sulla memoria diventa strumento per rileggere il presente in una nuova luce.

Le sue opere si pongono come interrogativi aperti che mirano ad un coinvolgimento attivo del fruitore, che diventa protagonista e senza il quale l’opera stessa non può essere risolta: l’obiettivo dell’artista è proporre un’esperienza, che sia vissuta e condivisa dal pubblico. Marzia Migliora con i suoi lavori non vuole attivare un semplice processo di “contemplazione” ma crea un invito a riconsiderare ciò che ci circonda.

Tra le sue personali recenti: Ginnastica dei ciechi- La corsa al cerchio (2012), Giardino di Sant’Alessio in Roma; Rada (2011), Centro per l’arte contemporanea Ex3 di Firenze; Quelli che trascurano di rileggere si condannano a leggere sempre la stessa storia (2009-2011), Museo del Novecento di Milano;  Tanatosi (2006) Fondazione Merz di Torino; The Agony & The Ecstasy (2005), The Foundation for Art & Creative Technology di Liverpool; Pari o Dispari (2004), Fondazione Sandretto Re Rebaudengo di Torino. Ha preso parte alle collettive: Forte Piano, le forme del suono (2012), Auditorium della Musica, Roma; C’est à ce prix que nous mangeons du sucre (2011), Evento 2011,  Musée d’Aquitaine, Bordeaux (FR); Sindrome italiana (2010), Le Magasin, Centre National d’Art Contemporain, Grenoble (FR); Tutto è connesso, ricerche e approfondimenti nell’arte dell’ultimo decennio attraverso la collezione (2010), Castello di Rivoli, Museo d’Arte Contemporanea, Rivoli (IT); Où? Scènes du sud: Espagne, Italie, Portugal (2007), Carrè d’Art Nimes (FR); La parola nell’arte (2007) Mart di Rovereto (IT); Focus (2003), Videoteca GAM Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea, Torino (IT) e  Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid (ES).

Marzia Migliora, Quelli che trascurano di rileggere si condannano a leggere sempre la stessa storia, 2009-2010. Foto Pepe fotografia. Courtesy Museo del Nocecento, Milano

Marzia Migliora, Rada, 2011. Foto Francesco Niccolai. Courtesy dell’artista ed Ex3 centro per l’arte contemporanea, Firenze.

Marzia Migliora. Photo credit Federico Biasin

Stefano Arienti è nato ad Asola (Mantova) nel 1961 in una famiglia contadina, dal 1980 si trasferisce a Milano, dove risiede tuttora.
Nel 1986 si laurea in Scienze Agrarie con una tesi di virologia. Partecipa alla prima mostra collettiva nel 1985 alla ex fabbrica Brown Boveri, dove incontra Corrado Levi, il suo primo maestro.
Ha frequentato l’ambiente artistico italiano, assieme ad altri giovani artisti, nel momento di rinnovamento dopo le stagioni dominate dall’Arte Povera e dalla Transavanguardia. Ha tenuto una serie di mostre personali in gallerie d’arte italiane e straniere. Ha partecipato a numerose mostre collettive in Italia ed all’estero.Ha viaggiato soprattutto in Europa, Nord America e India, partecipando pure a programmi di residenza per artisti. Ha insegnato all’Accademia di Belle Arti Giacomo Carrara di Bergamo e all’Università IUAV di Venezia.

Moreno Cedroni è uno dei più creativi chef italiani e internazionali. Nato ad Ancona nel 1964 Cedroni entra nel mondo della ristorazione nel 1984 con l’apertura del ristorante Madonnina del Pescatore a Senigallia. Dopo i sei anni di direzione del ristorante, stanco di stare in sala, decide di mettersi alla prova con i fornelli che di lì a poco diventeranno la sua vera grande passione. Nel 1992, mentre frequenta corsi di alta cucina, conosce Ferran Adrìà dal quale apprende nuove tecniche per la preparazione e la decorazione dei piatti. Attualmente, oltre allo storico ristorante di Senigallia, si occupa del “Clandestino Susci Bar” a Portonovo e della prima salumeria ittica “Anikò”. Nel 1996 e nel 2006 ottiene le sue due stelle Michelin, nel 2000 le tre forchette del Gambero Rosso e nel 2008 la vittoria del premio svedese Kungsfenan Seafood Awards per la padronanza e la tecnica nel maneggiare la materia prima, per la creatività e la capacità di aver fuso tradizione e innovazione nella sua cucina.

Considerato l’artista più visionario tra gli esponenti della Transavanguardia, Enzo Cucchi diviene, a partire dagli anni Ottanta, artista di fama internazionale. Già dalla fine degli anni Settanta l’artista, trasferitosi a Roma e abbandonata momentaneamente la poesia per dedicarsi quasi esclusivamente alle arti visive, entra in contatto con gli artisti Francesco Clemente e Sandro Chia, con i quali instaurerà uno scambio dialettico ed intellettuale.

La pittura è per Enzo Cucchi mezzo di aggregazione di più forme, di più concetti, di più materiali, si avvale dell’espressione invasiva del gesto, attraverso il quale la tela assurge a ricettacolo di immagini e pensieri, veicoli di un discorso frastagliato in mille sospensioni. La presenza di simboli disparati, di matrice classica o onirica, strappati all’attualità o alla memoria, si sovrappongono e dialogano sul tessuto cromatico da cui sembrano, in concomitanza, emergere. La perdita delle coordinate spazio temporali e l’incursione continua nel territorio culturale e in quello delle emozioni, coincidono con un indisciplinato uso dei colori, addensati, poi stirati, violenti, poi accennati, e con una sperimentazione ad ampio raggio delle tecniche artistiche, dalla pittura alla ceramica, al mosaico, al bronzo. L’interesse per l’interazione tra arti e discipline diverse ha portato, infatti, l’artista a muoversi in ambiti diversi (dalle arti visive all’architettura, al design, alla moda), e a cogliere l’importanza e la fertilità di alcuni incontri.

Enzo Cucchi ha realizzato numerose mostre personali, e ha preso parte a mostre collettive, nei più importanti spazi espositivi italiani e stranieri come la Kunsthalle di Basilea, il Solomon R. Guggenheim di New York, la Tate Gallery di Londra, il Centre Georges Pompidou di Parigi, il Castello di Rivoli, Rivoli (To), il Palazzo Reale di Milano, il Sezon Museum of Art di Tokyo, l’Accademia di Francia a Roma – Villa Medici, Il Musèe d’art modern di Saint-Etienne Metropole. Ha partecipato inoltre alle rassegne d’arte contemporanea più significative a livello internazionale tra cui La Biennale Internazionale d’arte di Venezia, Documenta a Kassel, la Quadriennale d’Arte di Roma. Le sue opere si trovano nelle maggiori collezioni museali del mondo e nelle più prestigiose collezioni private nazionali e internazionali.

Nel 2007 il Museo Correr di Venezia ha celebrato l’opera di Enzo Cucchi dedicandogli una mostra monografica inauguratasi in concomitanza con l’apertura della 52a Biennale Internazionale d’arte.

L’archivio ufficiale di Enzo Cucchi è consultabile presso il Castello di Rivoli – Museo d’Arte Contemporanea, Rivoli (To).